La tercera y última jornada de Iberseries & Platino Industria ha reunido diferentes encuentros centrados en la evolución del audiovisual iberoamericano, desde el auge del microdrama y los nuevos modelos de producción hasta la inteligencia artificial, la retención de la propiedad intelectual y las nuevas vías de financiación. La programación también ha abordado el papel del talento emergente y las transformaciones que afronta el sector en un contexto marcado por la aparición de nuevos formatos y modelos de consumo. Por Sara Rodríguez Martín
La jornada ha arrancado en el Auditorio con la conferencia Vertical & Viral: el auge del microdrama, dedicada a un formato que ha ganado presencia en los últimos años a partir del consumo de contenidos breves y verticales. A continuación, Secuoya Studios LATAM ha protagonizado el Spotlight Contenido local con vocación global, centrado en las posibilidades de desarrollar contenidos vinculados a los mercados locales con capacidad para alcanzar otras audiencias.
La mañana ha continuado con IA en acción: nuevos modelos de producción, que ha puesto sobre la mesa el impacto de la inteligencia artificial en los procesos de creación y producción audiovisual.
Producción e IP como ejes centrales de la mañana
También se ha celebrado la conferencia Los productores independientes y la retención de IP en la industria audiovisual española, organizada en colaboración con PATE, que ha abordado uno de los debates relevantes para el sector de la producción independiente: la capacidad de los productores para conservar y explotar la propiedad intelectual de los proyectos que desarrollan.
El programa de la mañana ha incluido además Solo productores en el edificio: los desafíos como catalizador para el cambio, centrada en los retos a los que se enfrenta actualmente el tejido productor y en cómo las dificultades del mercado pueden impulsar nuevas formas de trabajo y transformación empresarial.
A primera hora de la tarde, Aurora Media Inversiones ha presentado su Spotlight El fondo que impulsa la próxima generación del ecosistema audiovisual, dedicado a las vías de inversión y financiación destinadas a apoyar nuevos proyectos y empresas del sector.
La programación del Auditorio ha continuado con la keynote de Luis Fernández, de Telemundo, titulada Liderazgo, relevancia y transformación del audiovisual en español. La jornada profesional ha concluido con Netflix y FIPCA: Formar para transformar. Talento y nuevas demandas de la industria audiovisual iberoamericana, un encuentro centrado en la formación de profesionales y en las nuevas competencias que reclama un sector en transformación.
Talento emergente como motor de nuevas historias
Entre las ponencias más destacables está Nuevas voces, grandes historias: la apuesta de Amazon MGM Studios por el talento que viene, que ha tenido lugar en la Sala Azcona en un encuentro dedicado a los nuevos creadores y a la incorporación de nuevas voces al ecosistema audiovisual.
Camila Misas, Head of International Originals Mexico en Prime Video & Amazon MGM Studios y María Contreras, Head of Spanish Movies & Scripted TV Amazon MGM Studios, conversaron con la directora Daniela Goggi, el showrunner Sebastián Sariñana y el productor Alfredo Félez sobre los procesos para identificar nuevos perfiles, acompañarlos durante una producción y generar espacios en los que puedan desarrollar una mirada propia.
El encuentro partió de una cuestión: cómo apostar por profesionales que todavía no cuentan con una trayectoria consolidada en un ecosistema en el que las plataformas buscan contenidos capaces de conectar con grandes audiencias. Para Sariñana, una de las claves está en identificar qué persona puede aportar algo específico a una historia. “Las historias no son tan buenas como la gente que las cuenta”, señaló. En su caso, la pregunta inicial siempre es “¿por qué esa persona?”.
El showrunner puso como ejemplo Prefiero la muerte, donde apostó por perfiles como el fotógrafo Bruno Gaeta y el director de arte Alfredo Vigueras. Según explicó, ambos entendían la mirada que buscaba para la producción y aportaban una perspectiva diferente sobre la identidad mexicana. “Creo que ellos solitos traen los argumentos para venderlos”, afirmó Sariñana, que resumió su forma de defender estas incorporaciones como un ejercicio de trasladar al resto del equipo “lo que yo veo en ellos”. Para el creador, existe además una realidad común a cualquier trayectoria: “Todo el mundo tiene un primer proyecto”.
La mezcla generacional como fuente de nuevas miradas
Para Daniela Goggi, trabajar con profesionales que se encuentran en diferentes momentos de sus carreras puede aportar precisamente una mirada diferente. En Barrera, donde trabajó con tres guionistas que se enfrentaban a su primera película, la propia naturaleza del proyecto exigía investigar cómo abordar un true crime basado en hechos conocidos.
“Creo que la mezcla produce novedad”, explicó la directora. El proyecto requería reconstruir además una época, ya que los crímenes habían sucedido antes de que los guionistas hubieran nacido. Esa distancia generacional se incorporó al propio proceso creativo, combinando la experiencia de profesionales con más recorrido con la mirada de quienes se acercaban por primera vez a la historia.
La misma lógica se trasladó al reparto, con intérpretes jóvenes junto a actores consolidados. Goggi destacó que esta combinación generó “otro registro actoral” y un espacio marcado por “el concierto de las primeras veces”. La directora explicó también cómo los ensayos previos fueron fundamentales para acompañar a los intérpretes con menos experiencia. Para Goggi, el trabajo consiste también en reconocer qué puede aportar cada persona y crear las condiciones para que esa cualidad aparezca en pantalla.
Esta idea se relacionó con su experiencia docente. Para la directora, tanto una clase como un rodaje pueden partir de un planteamiento y enriquecerse a través de las respuestas del otro. “Reconocer el talento es cuando el otro vuelve con una pregunta que hace que ese conocimiento o ese tema crezca”, señaló. En su opinión, “la originalidad viene de cómo el otro te interpela”.
Acompañar sin controlar
Desde la producción, Alfredo Félez defendió que trabajar con profesionales que comienzan sus carreras debe plantearse como una oportunidad más que como un riesgo. “Nos parece fundamental. Son nuevas voces, nuevas formas de hacer las cosas”, afirmó.
El productor explicó que la expansión de la industria audiovisual durante los últimos años, impulsada también por la llegada de las plataformas, ha permitido que más profesionales puedan incorporarse a proyectos de distinta escala. “El nivel de producción ha crecido muchísimo”, apuntó, no solo por el aumento del número de producciones, sino también por la variedad de medios disponibles para contar historias.
En el caso de Enemigos, Félez puso como ejemplo el trabajo realizado junto al director David Valero. El acompañamiento, explicó, consistió en proporcionarle los medios y el equipo necesarios para desarrollar el proyecto con garantías. “No lo vemos tanto como un control, sino como una supervisión, de estar cerca, de contrastar opiniones”, señaló. Para el productor, se trata de comprobar que el resultado mantiene aquello que se había acordado durante el desarrollo, pero sin limitar la capacidad creativa del director.
“No es tanto control, sino una supervisión, un acompañamiento y un viaje que se disfruta mucho”, resumió.
La relación entre productores y directores apareció también como una cuestión de confianza mutua. Félez recordó que en los proyectos desarrollados por Atípica existe una voluntad de trabajar no solo con directores y actores emergentes, sino también con guionistas, compositores y otros profesionales. El objetivo es mantener abiertos los procesos de incorporación de nuevos perfiles durante las diferentes fases de una producción.
Público joven, plataformas y la creación de nuevas estrellas
Otro de los puntos abordados fue la capacidad de las plataformas para acelerar la visibilidad de actores y directores que hasta ahora no contaban con una trayectoria internacional. Para Alfredo Félez, el alcance global de los servicios de streaming ha modificado el proceso mediante el que un nuevo talento puede convertirse en una figura reconocida.
“Ahora las plataformas lo que ofrecen es que un contenido se lo ponen en todo el mundo, en un montón de países”, explicó. Si una producción funciona y alcanza a una audiencia amplia, añadió, “esa interpretación es vista por millones de personas”. A esto se suma la promoción que las propias plataformas realizan de películas y series.
La relación con el público joven fue otro de los asuntos tratados durante la sesión. Sariñana explicó que, en trabajos anteriores, su aproximación a determinadas subculturas parte de observar y entender códigos que ya existen, en lugar de intentar imponer una mirada externa.
“Nos conectamos, pusimos el dedo en el pulso de una subcultura que ya existía”, explicó sobre uno de sus proyectos anteriores. El objetivo, añadió, era ser fiel “a los códigos, las estéticas, la vestimenta, la manera en la que esa subcultura se comporta”.
En su opinión, una de las claves para dirigirse a adolescentes consiste en no tratarles como adultos incompletos. “Cuando estás haciendo cosas para jóvenes, creo que es fundamental no tratar a los adolescentes como gente incompleta”, afirmó. Sariñana defendió que las producciones dirigidas a este público pueden abordar también “temas complejos y hasta filosóficamente muy profundos”.
La búsqueda de nuevas voces, por tanto, no se limita a descubrir nuevos rostros. Para los participantes, también implica incorporar otras experiencias, lenguajes y formas de aproximarse a las historias. Goggi apuntó a la posibilidad de incorporar profesionales procedentes del teatro, la literatura o incluso las redes y otros entornos tecnológicos, mientras que Sariñana puso el foco en nuevos escritores y directores.
IA, formato vertical y true crime: tres tendencias que transforman el audiovisual
Durante la jornada, también destacó especialmente la presentación de Panorama Audiovisual Iberoamericano. Cambios en el audiovisual: IA, formato vertical y true crime, que se ha desarrollado en la Sala Plató y ha repasado algunas de las tendencias que están modificando actualmente el mercado audiovisual de la región.
La inteligencia artificial, la consolidación del formato vertical y el auge del true crime fueron los tres ejes sobre los que giró la conversación moderada por Óscar Berrendo, director gerente de EGEDA. El panel reunió a Andrés Sáenz, director, productor y guionista de Mántica Films; Claudia Fernández, productora creativa de Telemundo Studios, y la periodista Luna Herrero.
Uno de los principales debates se centró en el papel que la inteligencia artificial está adquiriendo en los procesos de creación. Andrés Sáenz explicó que ha llegado a realizar un largometraje utilizando esta tecnología en buena parte del proceso, aunque combinándola con otros materiales. “Yo sí logré hacer un largometraje en un 70% con inteligencia artificial, pero también usé material de archivo”, señaló. Una experiencia que, según explicó, estuvo lejos de ser automática o inmediata. “No es sencillo en absoluto”, apuntó cuando el moderador preguntó si de verdad era todo tan sencillo como darle a un botón.
El director y productor insistió en que el uso de IA no elimina la intervención creativa del cineasta. “La inteligencia artificial no es una herramienta a la que puedes darle una orden y, automáticamente, sale una película”, afirmó, antes de explicar que el proceso de creación requiere tomar decisiones constantemente. Desde su perspectiva, incluso la elección de un plano forma parte de ese ejercicio de autoría: “El rato que tú escoges el valor del plano, medio o lo que sea, contraplicado o lo que sea, y ya estás escogiendo, estás creando”.
Sáenz explicó que la herramienta puede intervenir en diferentes fases del proceso, desde el desarrollo de una idea hasta la planificación de la producción, la generación de imágenes y sonido o el montaje. En su caso, recurrió también a herramientas como Google Flow para generar imágenes en movimiento y trabajar posteriormente sobre ellas. El resultado, defendió, sigue dependiendo de las decisiones de quien está detrás de la cámara o del ordenador. “Siempre el ser humano va a estar ahí”, resumió.
La conversación abordó también la capacidad de la IA para resolver algunas de las limitaciones habituales de la producción audiovisual, especialmente cuando no existe material de archivo suficiente para reconstruir determinados acontecimientos. En este sentido, Claudia Fernández señaló que la tecnología puede abrir nuevas posibilidades narrativas: “Con la IA puedes hacer esta parte visual que te estaba faltando para contar la historia”.
El lenguaje vertical
Junto a la IA, el formato vertical apareció como otra de las transformaciones que están modificando la relación entre contenidos y audiencias. Luna Herrero puso el foco en el peso del teléfono móvil dentro del consumo audiovisual y defendió que el vertical no debe entenderse simplemente como una adaptación del formato tradicional.
“El formato vertical constituye un lenguaje propio, un código propio y una forma de expresarse propia”, explicó la periodista, que señaló además que buena parte del consumo de dispositivos se concentra actualmente en el teléfono móvil. Esta transformación afecta especialmente a los nuevos formatos de ficción breve y a los microdramas, diseñados para competir por la atención del espectador dentro de un entorno en el que el desplazamiento entre contenidos se produce de manera inmediata.
En este contexto, Herrero destacó la importancia de los primeros segundos de una pieza. En los contenidos verticales, especialmente en los microdramas, la capacidad de captar la atención desde el inicio resulta determinante para evitar que el usuario continúe haciendo scroll. La estructura narrativa se adapta así a un consumo marcado por la rapidez, la movilidad y la posibilidad de pasar de una historia a otra con un simple gesto.
Algoritmos y tendencias: búsqueda de originalidad
Pero el algoritmo, según señaló Herrero, no puede sustituir al contenido. “El algoritmo para mí es ese mecanismo que posiciona mi contenido frente a una audiencia que probablemente no me sigue o no buscaría mi contenido de forma orgánica”, explicó. Sin embargo, añadió que la visibilidad por sí sola no garantiza la permanencia del espectador: “Si tu contenido no cuenta con creatividad, con una persona humana detrás que haya pensado la estrategia, las imágenes o si ni siquiera sabes qué es lo que quieres transmitir, falta calidad en ese contenido y da igual lo bien que hayas conseguido estructurar el algoritmo”.
La periodista también alertó de que la búsqueda constante de tendencias puede terminar homogeneizando los contenidos. Frente a ello, defendió la necesidad de comprender qué busca realmente la audiencia y qué se quiere contar, más allá de reproducir mecánicamente aquello que funciona en cada momento.
True crime: del documental a la conversación multipantalla
El tercer eje de la conversación fue el crecimiento del true crime, un género que, según Claudia Fernández, ha dejado de ocupar un espacio reducido para convertirse en un contenido transversal capaz de adaptarse a diferentes formatos y plataformas.
“El true crime es un vehículo muy importante para consumir multipantalla”, afirmó Fernández. La temática permite abordar un mismo caso desde el documental, la ficción, el podcast o las redes sociales, generando además diferentes niveles de participación por parte de la audiencia.
Para la productora, una de las claves de su permanencia está precisamente en esa capacidad de adaptación. Un mismo caso puede desarrollarse a través de diferentes duraciones y formatos y mantener abierta la conversación entre espectadores. Fernández apuntó también que existen diferentes teorías sobre el interés que despierta especialmente entre determinados públicos, pero situó el foco en la capacidad del género para generar empatía, identificación y debate alrededor de las víctimas, quienes buscan justicia o incluso los propios responsables de los crímenes.
En este punto, la conexión entre true crime y los nuevos formatos vuelve a situar la atención como uno de los elementos centrales. Tanto el género criminal como los microdramas recurren a historias de alta carga emocional y a estructuras capaces de mantener al espectador pendiente de lo que ocurrirá a continuación.
Desde esta perspectiva, la búsqueda de historias con capacidad de viajar pasa por combinar una identidad local con elementos reconocibles para audiencias de otros territorios. “Buscamos esto, conflictos, personajes que sean muy locales, pero que tengan una universalidad que le permitan entender a un espectador en cualquier parte”, explicó Fernández.
Por su parte, Claudia Fernández vinculó la transformación del ecosistema digital con una mayor capacidad de las audiencias para participar en la creación y circulación de contenidos. Fanfics, memes o stickers forman parte de un entorno en el que la relación entre creadores y espectadores es cada vez más directa y puede servir también para detectar nuevos perfiles. “Tenemos un vehículo para dialogar con la audiencia y también para identificar nuevos talentos”, apuntó.
Los Iberscreenings muestran nuevos proyectos y contenidos
La última jornada también ha contado con una programación de Iberscreenings dedicada a presentar algunos de los contenidos que llegarán próximamente a diferentes plataformas y operadores. Durante el día se han proyectado Capítulo uno: La marquesa de Alorna, de Imagina; la segunda temporada de Marbella: expediente judicial, de Movistar Plus+; y Yo siempre a veces, también de Movistar Plus+.
La programación ha incluido asimismo un adelanto del universo creativo de Véspera, nueva serie original brasileña de HBO Max basada en el bestseller de Carla Madeira, así como el primer vistazo a Matar a un oso (Killing a Bear), de Movistar Plus+ y ARTE. Por la tarde se ha presentado Somos así, la nueva serie de Disney+ y Luzu TV nacida del fenómeno digital Nadie dice nada, y La mejor oportunidad es un greenlight. Episodic o financiar una serie hecha por estudiantes, dentro de Serielizados.
Historias diversas en el Laboratorio de Creación de Series de TV
Rubik Audiovisual también ha acudido al Laboratorio de Creación de Series de TV de la Fundación SGAE, un pitch patrocinado por SGAE que ha reunido propuestas de ficción con planteamientos y universos muy diferentes. Entre las historias presentadas se encuentran la de una librera lesbiana que trabaja en la primera librería LGTB de España, una distopía alrededor de la búsqueda de una jubilación ideal, la historia de tres mujeres vinculadas a la corte española y un proyecto construido en torno a una pregunta capaz de generar un incómodo silencio: “¿Me cambiarías a tu hijo por el mío?”. La variedad temática de las propuestas ha servido para mostrar algunos de los caminos que exploran los nuevos proyectos de series y el talento emergente.
Con esta programación, Iberseries & Platino Industria ha cerrado su tercera jornada poniendo sobre la mesa algunos de los principales cambios que atraviesan actualmente el sector, desde los formatos verticales y el desarrollo de nuevas IP hasta la inteligencia artificial, la financiación, la formación y la incorporación de nuevas voces a la industria audiovisual.
