Sirat supone uno de los proyectos más singulares y exigentes de la temporada dentro del cine de autor. Rubik entrevista a Agustín Almodóvar, productor de la película desde El Deseo (productora de la película, junto a Movistar Plus+, Filmes da Ermida, Uri Films y 4A4 Productions), para conocer la génesis del proyecto, el proceso de financiación de un presupuesto de 6,5 millones de euros, el trabajo de casting con actores no profesionales y los desafíos de un rodaje extremo en Marruecos y Teruel. Por Miguel Varela.
Todo un despliegue que ha sido reconocido por la Academia de Cine con 11 nominaciones, pero también por parte de la industria internacional, logrando el Premios del Jurado en el Festival de Cannes, cinco galardones en los Premios del Cine Europeo y dos nominaciones a los Oscar.
Rubik: ¿Cómo llegó a vosotros Sirat y cómo recuerdas aquellos primeros pasos para desarrollar el proyecto?
Agustín Almodóvar: Nosotros coincidimos con Oliver durante su campaña de O que arde. Habíamos visto la película y nos parecía una propuesta absolutamente novedosa en la forma de trabajar. Cuando descubrimos a un artista con una propuesta muy personal, el mecanismo que empleamos siempre es el mismo: acercarnos y decirle “oye, nos gusta muchísimo tu cine, tu forma de afrontarlo”. Y como somos productores, le decimos: si en el futuro consideras que podemos colaborar en algo, cuenta con nosotros. Yo creo que eso fue el inicio de lo que luego se concretó con la coproducción con Sirat.
Cuando empezó Oliver a mover el proyecto era muy radical, en términos poco convencionales para la industria, pero a la vez requería de muchos recursos técnicos y materiales. Era un salto cualitativo muy importante en su carrera: O que arde prácticamente la hizo con su productora, él mismo hacía muchas cosas, pero en Sirat necesitaba mucha más colaboración. Ahí nos propusieron participar y desde el primer momento dijimos que sí. Ahí empezó un proceso muy largo, porque implicaba encontrar recursos importantes a nivel financiero.
Rubik: Antes de zambullirnos en los pormenores del proyecto, ¿Cómo crees que la historia que cuenta el guion de Sirat dialoga con el momento social y espiritual que vivimos actualmente como sociedad?
A. A.: Hay una cosa obvia: la violencia que vivimos en el momento actual, la violencia de la deshumanización. Estamos viendo escenarios de guerra en Ucrania, en Gaza, donde las cifras de fallecidos parecen simplemente números, pero detrás hay dramas humanos. La película, con esa guerra que se encuentran los ravers en el desierto, está hablando exactamente de esa clase de violencia institucional, inhumana.
Y por otro lado, frente al materialismo y al consumismo, hay un contrapunto espiritual: el viaje de los protagonistas a través del desierto también es un viaje interior. Esa visión tan sutil, no tan directa, para hablar de violencia, deshumanización y materialismo a través de una película lírica y poética le da un carácter de contemporaneidad muy potente. Y la escena final de los supervivientes en el techo del tren… habla de esa deriva del mundo con los movimientos migratorios y de la hostilidad de los países más desarrollados a la hora de recibir a estos migrantes.
Rubik: El presupuesto de la película es de 6 millones y medio, una cifra muy importante dentro del cine español de autor. ¿Cómo fue levantar la financiación y encontrar socios?
A. A.: Fue totalmente decisiva la entrada de Movistar Plus. Creo que sin ellos no se hubiera podido llevar a cabo el proyecto por estas cifras. Seis millones y medio para una película de autor radical es prácticamente inviable por el altísimo riesgo, teniendo en cuenta que en el sistema de ayudas español… una película de seis millones y medio obtiene las mismas ayudas que una película de dos y medio.
En el momento en que Movistar Plus aceptó formar parte como coproductor, incorporamos otras productoras, cada una aportando conocimiento, expertise y prestigio internacional para mover el proyecto. La propia productora de Óliver, con Xavi Font; la productora de Oriol Maymó, Uri Films; y la productora francesa 4A4 Productions para poder acceder, por ejemplo, a Eurimages y a ayudas europeas. Levantar la financiación fue muy laborioso. Presupuestamos varias veces intentando ver si era posible hacer la película con menos recursos, pero no: la película requería, por esos paisajes y esas travesías, todo el importe proyectado.
Y en términos de preproducción artística fue importantísima la labor de la dirección de casting de Nadia Acimi, Luís Bértolo, María Rodrigo, que han ganado el premio en su categoría en los Premios del Cine Europeo. La labor fue encontrar a los personajes: actores no profesionales que solían acudir a este tipo de raves. Eso supuso dos veranos visitando y participando en este tipo de eventos, y luego ofreciendo a Oliver posibles personas para el casting final.
Rubik: La tarea de casting es realmente impresionante. En el metraje final, sin perder un ápice de naturalidad, parecen actores profesionales.
A. A.: Sí, están ejerciendo de actores, están realizando una gran interpretación. Cada uno de ellos tenía su vida, pero se entregaron por completo al servicio del guion y la narración. Eso es mérito de la dirección de casting que los encontró y mérito también de Oliver. Una vez decididos, se los llevó a vivir con él a Galicia, a su pueblo, para trabajar juntos durante meses.
Oliver es un director bressoniano, le gusta rodar de verdad. Él quería encontrar personas que conocieran desde dentro lo que implica participar en este tipo de fiestas. Y para llegar a ellos hay que hacer una inmersión: no vas repartiendo tarjetas profesionales, tienes que crear confianza. No son profesionales, ni se van a dedicar a esto después.
Oliver entró personalmente en contacto con ellos, empezó a vivir con ellos, les fue transmitiendo la historia y de ese trabajo resulta esa naturalidad abrumadora. A mí me parece uno de los grandísimos valores de la película: muestran, sin pudor, sus heridas… gente que ha vivido el activismo político y social. Eso no se puede conseguir con maquillaje.
Rubik: La historia transcurre en clave de road movie a través del desierto de Marruecos. ¿Cómo os planteáis la búsqueda y elección de localizaciones?
A. A.: Oliver vivió diez años en Marruecos y asistió a raves que se producían allí. Conocía muy bien aquello desde dentro. Su película anterior, Mimosas, mostraba una travesía del desierto en el Atlas marroquí. Aportó todo su conocimiento. Vuelve a aparecer la palabra “verdad”: todo lo que ocurre lo ha vivido de verdad Oliver. Conoce los elementos y escenarios reales. Por ejemplo los vehículos utilizados en el desierto, que son bastante pétreos y aguantan todo lo que les echen.
Cuando un director mira dentro de sí es cuando más posibilidades tiene de acertar y hacer algo auténtico. Eso ha sido gracias a esa experiencia personal de Oliver: esos diez años de vivencia en el desierto, en Marruecos.
Rubik: ¿Qué motiva la decisión de rodar una parte en Marruecos y otra en la Rambla de Barrachina, en Teruel?
A. A.: La decisión fue de producción. La rave que aparece al inicio de los títulos de crédito la organizamos desde las productoras, suponía un enorme reto logístico y teníamos mucho más control si lo hacíamos desde España que organizándola en Marruecos. Y teniendo esa joya de Teruel… sugerimos desde producción esa posibilidad por logística.
Y funcionó muy bien. El arranque de la película con ese barranco, el mapping, esas escenas de noche, con las luces proyectando sobre las rocas… Creemos que fue una decisión de producción que encajó muy bien con la parte artística y encajaba con la parte posterior de desolación en el camino de los personajes. La película parte de esos cañones en Teruel y luego se desarrolla a lo largo de esos desiertos infinitos en Marruecos.
Rubik: Zambulléndonos en el rodaje, ¿cuáles fueron los principales retos?
A. A.: Las escenas de movimiento de los camiones por esas pistas de arena y piedra… Oliver nos decía: “estamos rodando una precuela de Mad Max”. Fue todo un reto lograr ese resultado final. Y luego, sufrir las tormentas de arena. Teniendo en cuenta que Oliver ha querido rodar una parte muy importante en analógico… todas las escenas de día están rodadas en Súper 16 milímetros. Eso implica mantener lentes y cámaras libres de polvo en pleno temporal: mecanismos analógicos muy delicados.
Ha sido un grandísimo reto rodar con calor, viento, arena y polvo. Y Oliver lo capitaliza, porque para él una película no es un proceso sencillo. Superar esas adversidades físicas ha sido parte de la aventura. Lo mismo que sufren los personajes cruzando esos espacios tan agrestes e inhóspitos, la propia producción también lo ha vivido en sus carnes y ha tenido que luchar con eso. La película se hizo en total en siete semanas, tras más de dos años de preproducción. Un reto y una aventura enormes.
Rubik: La postproducción también fue compleja
A. A.: Ha sido larguísima, once meses en total. Oliver lo ha compartido con todos los productores: cada vez que llegaba a un corte, lo compartíamos y comentábamos. Un proceso muy artesanal.
Oliver es de los directores a los que les gusta vivir y disfrutar del proceso de edición, convive mucho con el material incluso con el que no va a formar parte del montaje. Y luego está todo el proceso de postproducción de la imagen: el Súper 16 permite muchas aproximaciones a la colorimetría y al etalonaje. La decisión de usar negativo combinado con material digital en las noches, para tener un poquito más de rango de luz, también implicó un trabajo laborioso, pero satisfactorio.
Lo que le puso final a la postproducción fue la fecha final para el Festival de Cannes: el deadline para poder enseñar la película y llegar a tiempo para participar. Pero teníamos muchísimo material que trabajar, fue complicado… pero al final lo conseguimos tener a tiempo para participar.
Rubik: ¿Qué significó Cannes en la vida posterior de la película?
A. A.: Para mí fue decisivo. Las películas pueden pasar desapercibidas si no tienes una lanzadera suficientemente potente y prestigiosa. Somos muy conscientes de la importancia de estar bien situado en Sección Oficial. Y no te digo nada ganar un premio, estar dentro del palmarés.
Creo que fue absolutamente definitivo entrar en Sección Oficial y lograr el Premio del Jurado. Desde ahí la película no ha parado de crecer. Y la decisión estratégica de estrenar en junio inmediatamente después del festival fue una apuesta de riesgo, porque en verano suelen estrenarse películas familiares y comerciales. Pero fue otro acierto: entrar en el palmarés y poder estar en salas inmediatamente fue decisivo en la carrera de la película.
Rubik: Termina Cannes y contáis con BTeam para la distribución en España, Pyramide en Francia y Neon en Estados Unidos. ¿Por qué estas elecciones?
A. A.: BTeam es nuestro distribuidor de referencia en la línea de cine de autor. Tienen esa sensibilidad que hace falta para llevar una película tan arriesgada como Sirat.
Creo que distribuidoras como BTeam son importantísimas para mantener la cinefilia, al espectador que busca ese cine especial. Entendieron desde el comienzo que era una película de muchísimo riesgo y que había que tener cuidado con las decisiones y los gastos de lanzamiento. Tomamos junto a ellos la decisión de estrenar en verano y fue todo un acierto.
Pyramide, en Francia, también es una empresa de prestigio especializada en cine de autor, como lo es Neon en Estados Unidos. Contar con socios así es importantísimo para el recorrido internacional. El Deseo tiene una gran experiencia y una idea rigurosa: no buscamos solo el dinero en los avances, sino la experiencia de los distribuidores en el cine no abiertamente comercial al servicio de la estrategia. Ese cine hay que comprenderlo muy bien para poder promocionar y comunicar para que llegue a su destinatario.
Rubik: Cinco premios en los Premios del Cine Europeo, presencia en cinco shortlist de los Oscar (todavía no se sabían las dos nominaciones al hacerse la entrevista) y 11 nominaciones a los Goya… ¿Cómo lo vivís?
A. A.: Ha sido muy emocionante ver una película española arrasando en apartados técnicos de los Premios del Cine Europeo. Esto nos lleva al comienzo: la importancia de esos equipos que utilizamos, de esa logística y de todos los elementos de producción. Se ha traducido en premios como Dirección de Casting o Fotografía, premios con algo de justicia poética.
El premio a la Fotografía… la dificultad que ha sido llevar a cabo ese trabajo para Mauro Herce. Y la Dirección de Casting… no es solo ponerse a mirar fotos: es inmersión, empatía, entender y crear la película. Me emociono hablando de ello porque es tan valioso…
Con esas cinco estatuillas nos hemos vuelto muy contentos. Y en cuanto a los Oscar, haber estado en cinco shortlists ya es un éxito que nos coloca en buena disposición para poder competir. Soñar es gratis.
De cara a los Goya, creo que tienen un comportamiento más local. Compartimos temporada con una cosecha de gran nivel, muy variada. Tenemos que ver cómo se manifiesta el voto de la Academia a la hora de valorar esa diversidad.
